La línea narrativa que se establece en el documental a través de los archivos fílmicos y con los habitantes del estado es hablar del aquí y ahora para contar el allá y entonces.

“Se calcula que el territorio de Zacatecas ya estaba habitado desde hace más de 6 mil 500 años, por lo que su historia es una de las más antiguas de nuestra nación. Para mi es de profundo interés qué había en ese estado cuando llegaron los españoles, qué se encontraron, cuáles fueron los procesos de colonización de esa zona, sin embargo todo ese recuento se realiza en este trabajo a través de lo contemporáneo”.

La sonorización en vivo de “Zacateco” estará a cargo de Omar Juárez, Diseñador sonoro de la cinta, quien compartió parte de la forma de trabajo a la distancia que mantuvo durante el desarrollo del proyecto con Horacio Uribe (compositor de la partitura) y la importancia del diseño sonoro en la música  y viceversa.

“En especifico la creación de los paisajes sonoros para Zacateco dio inicio cuando Iván Avila y yo tuvimos una charla en la cual me comento que tenia un proyecto donde el quería contar la vida de Zacatecas y su historia (por supuesto esto incluye los sonidos) los dos coincidíamos en que teníamos que recolectar lo mas significativo de cada lugar. Eso fue como primer bloque, una vez terminada esta investigación de audio la siguiente etapa es la significación, temporalidad e iconografía del sonido, el verdadero trabajo para la creación de una imagen acústica es tener muy claro lo que quieres transmitir, afortunadamente Iván es un director que sabe guiarte y tiene muy en claro las emociones que se necesitan, es como pocos, se sienta y te explica hasta los por menores de la historia, después te da la libertad mas grande para que propongas, en ese momento con estos antecedentes , el camino se escucha mas claro, ya puedes discriminar los sonidos para modificar correctamente la escucha y por lo tanto la emotividad del espectador.”

Por su parte el afamado actor Joaquín Cosío, será el encargado de la narración en vivo y aprovechó la ocasión para expresar su gusto por participar en un proyecto que pone muy en alto la historia y el presente de la región de Zacatecas, una ciudad con la que dijo tener muchos nexos. La cinta se presenta en el marco de las conmemoraciones del Bicentenario del inicio de la Independencia y el Centenario del inicio de la Revolución Mexicana, pero más significativo, se presenta dos días previos al festejo de su fundación a celebrarse el 08 de septiembre.

La cinta se divide en 5 capítulos:

Pueblos originarios/ La colonia/ La guerra/ La construcción y La época contamporánea, 2010.

“Este trabajo es un regalo a Zacatecas, a su gente, a sus recuerdos y búsquedas como sociedad. Es también un proyecto creado por zacatecanos, desde músicos, técnicos, hasta las personas que nos mostraron su día a día en los municipios. Es una historia inmensa para contar, pero quisimos contribuir con nuestro grano de arena”, concluyó Iván Ávila Dueñas.

Aquí un fragmento de la conferencia:

Con motivo del próximo estreno de la película “Huevos en corto“, una recopilación de algunas de las mejores y más famosas animaciones del proyecto Huevocartoon, visitaron la cabina 2 personajes que se dicen compadres, y “muy, pero muy machos“, quienes dejaron grabada esta pequeña invitación para todos los escuchas de CinemaNet.

Ellos los invitan a escuchar la entrevista que tuvimos con Rodolfo Riva Palacio, uno de los creadores (junto con su hermano Gabriel) de este concepto; y con Fernando Meza, talento de voz; un podcast que podrán disfrutar este próximo viernes 3 de septiembre. Y por otro lado, también los invitan justamente a ir al cine a partir del 3 de septiembre que se estrena la cinta, y que está programada para permanecer en cartelera únicamente 1 semana, así que no se la pueden perder: animaciones clásicas, los mejores personajes, y tal como eran en la web, sin censura.

Los dejamos pues con los Huevos Rancheros!

Una película de Park Chan-wook, director, uno de los grandes directores más polifacéticos y creador de lala “trilogía de la venganza”, con Boksuneun naui geot en 2002, seguido con la maravillosa Oldboy de 2003, ganadora del gran premio del jurado del Festival de Cannes de 2004y concluída con Chinjeolhan geumjassi (Sympathy for Lady Vengeance) de 2005.

En esta ocasión CinemaNET a través de MÓRBIDO, Festival de cine fantástico y de terror te llevamos a conocer su más reciente obra filmica: THIRST, sed de venganza. Una cinta que mostrará una nueva forma de ver el género de vampiros.

Si quieres asistir a este premiere, mandamos un correo a promociones@cinemanet.com.mx y si eres de los primeros 5 ¡ya ganaste!.

La premiere se llevará a cabo el martes 6 de julio a las 20:00hrs en Reforma 222, México D.F.

Cine de vampiros, sangre y estética Coreana.. sólo en CinemaNET

Por Roberto Ortiz Escobar

• Kick Ass (Kick-Ass, Estados Unidos, 2010, de Matthew Vaughn). Con Aaron Johnson, Chloe Moretz, Christopher Mintz-Plasse.

Divertida cinta cuyo perfil violento políticamente incorrecto lo ubicamos en los ideales y acciones de Dave Lizewski / Kick Ass (Aaron Johnson), Mindy Macready-Hit-Girl (Chloe Moretz) y Chris D’Amico-Red Mist (Christopher Mintz-Plasse). El primero, un adolescente pretendiendo convertirse en super héroe anónimo de reconocimiento público; la segunda, una pequeñina asumiendo airosa y temerariamente dicho rol; el tercero, un niño rico solitario esperando su oportunidad dorada frente a su retracción social. Inspirada en un comic de Mark Millar y John Romita Jr., la ingeniosa apuesta de Matthew Vaughn no deja títere con cabeza e instala de manera inusitada para el cine de ficción a una niña ejecutando proezas físicas devastadoras con tal de liquidar a mafiosos con cuentas pendientes con el padre Damon Macready-Big Daddy (Nicolas Cage), otro super héroe que en vez de educar a su crío en otros menesteres, lo entrena y convierte en ruda maquina de matar. Película que argumentalmente esboza los conflictos infantiles y adolescentes, aunque se diría que éstos son un pretexto traducido en festín descarado burlando a cada momento el prurito moral usualmente manejado en las transcripciones cinematográficas de los comics. Y eso que desde hace tiempo estas películas se tornaron oscuras y pesimistas.

• Entre hermanos (Brothers, Estados Unidos, 2009, de Jim Sheridan). Con Tobey Maguire, Natalie Portman y Jake Gyllenhall).

Una vez más se exponen los sentimientos encontrados entre dos hermanos. Uno respetado y de comportamiento honorable en el ejército estadounidense al que sirve en Afganistán (Sam- Tobey Maguire); el otro, un ex convicto irresponsable sin proyecto alguno de vida (Tommy-Jake Gyllenhall). La preferencia del padre por el primero pone en evidencia situaciones familiares que no aseguran la felicidad y la armonía absolutas. En buena medida, esta actitud y la creencia errónea de que Sam ha muerto en el campo de batalla, arrojan ingredientes climáticos sobre las consecuencias del distanciamiento temporal, el fracaso, la culpa y necesidad de perdón. Es cierto que al principio la película se inclina por el melodrama familiar sin aspavientos, pero hay un momento en que todo cambia y las situaciones se tornan densas: la discusión de Tommy con el padre fuera del coche, la consolación sentimental momentánea entre Tommy y Grace, la cena familiar al regreso de Sam. Con un buen reparto actoral, uno de los filones de la historia nos recuerda la locura que significa participar en una guerra y el trastorno psíquico y emocional vivido por los combatientes.

• La última estación (The Last Estation, Estados Unidos-Rusia, 2009, de Michael Hoffman). Con Christopher Plummer, Helen Mirren y Paul Giamatti.

Si bien la película es un correcto trozo biográfico de León Tolstoi (Christopher Plummer) y su esposa Sofía (Helen Mirren) en sus últimos años, un ingrediente sustancioso son las discusiones entre ambos sobre el destino de los escritos literarios y el liderazgo del escritor ruso en un movimiento comunal con ingredientes de  “violencia no activa”, los cuales sirvieron de referente posterior a Ghandi y Luther King. Este destino póstumo trabajado con astucia melodramática, nos remite a una postura ética donde el creador apela al legado social y no a la propiedad privada familiar como usualmente se manejan los repartos materiales o artísticos testamentarios. De ahí las discusiones acaloradas promovidas por Sofía sobre una herencia familiar que debiera estar por encima del bien social de pretensión humanitaria. Esta parte es la más interesante de la película si consideramos que la historia se ubica en pleno zarismo y en años previos a la revolución bolchevique.  La idea del trabajo colectivo y la procuración cristiana de “amar los unos a los otros” se convierte en credo en una comuna que evidencia sus contradicciones a la hora de la práctica social. Otro elemento temático importante es la relación de ancianos entre Sofía y León. Algunos momentos de la vida íntima resultan atractivos (la pareja que previamente al festejo sexual cacarea como gallo y gallina sugiriendo los roles de la excitación). Con buena ambientación, lamentablemente la cinta no profundiza en la línea de pensamiento de Tolstoi en sus últimos años, aunque deja entrever un fervor rallando en la manipulación y  el dogmatismo en el plan colectivo de Certkov (Paul Giamatti),. Las interpretaciones de Christopher Plummer y Helen Mirren son aceptables, por algo fueron nominados al oscar como mejor actor y actriz, respectivamente.

• Naco es chido (México, 2010, de Sergio Arau).

Da la impresión que la cultura fílmica de los integrantes del grupo rockero mexicano Botellita de Jerez es nula, elemental o de pretensión risueña de quinta categoría. Como si se tomara de referente la narración innovadora de ingenio anecdótico de La noche de un día difícil (A Hard Day’s Night, de Richard Lester), Sergio Arau parece arañar y revivir por momentos la refrescante apuesta lúdica del clásico de Richard Lester. Lo hace con mano pedestre y un nivel paupérrimo de humorismo. Las acciones relajadas preparan un mazacote de difícil digestión y el humor sangrón convierte a los personajes rockeros en  trogloditas insoportables.

*Este artículo se publicó el 21 de junio de 2010 en el periódico Política de Xalapa, Ver.

Indudablemente, León Tolstoi, es uno de los grandes escritores de la literatura rusa del siglo XIX, basta con recordar que él es autor de novelas espléndidas como: “La guerra y la paz” o “Anna Karenina”. En su último año de vida se basa el biopic “La última estación” (“The last station”)  del director norteamericano Michael Hoffman (“Restauración”, “Sueño de una noche de verano”),  él también es autor del guión, el cual se basa en la novela homónima de Jay Parini.

La trama de la cinta, se centra en el último año de vida de Tolstoi, cuando el escritor es sumamente reconocido como uno de los grandes talentos literarios de Rusia, cuando es líder de un movimiento filosófico-religioso que tiene por consigna, la resistencia pasiva, además de llevar una vida humilde, movimiento que hace especial énfasis en el amor, como centro motor de los seres humanos.

Dicho movimiento está presidido por Chertkov (un correcto Paul Giamatti) quien pretende que tras su muerte, Tolstoi sea considerado como un ícono de la santidad.  Para ello pretende que todos los bienes materiales del literato sean donados al pueblo ruso, y por supuesto la que se opone es Sofía, la esposa del escritor (Helen Mirren), y entre ellos se establecerá una fuerte batalla.

Sofía quiere salvaguardar el bienestar propio y el de sus hijos- de 13 sobreviven 6. Se cree en su derecho, tras 48 años de matrimonio. Tolstoi está caracterizado con solvencia por Christopher Plummer, tanto él como MIrren por sus valiosas interpretaciones fueron nominados al Óscar en el rubro de mejor interpretación masculina y femenina, respectivamente.

Y es este duelo de actuaciones lo más valioso de un drama histórico, al cual le faltó profundizar más en las ideas y el universo literario de Tolstoi, el cual prácticamente se deja de lado, Hoffman se centra más, desde un estilo clásico y un tanto convencional a exponer las contradicciones amorosas de una pareja de la tercer edad, a pesar de tener como marco, una espléndida ambientación de época y un invaluable apoyo en la fotografía de  Sebastián Edcchimil.

“La última estación” se despliega en un ritmo moroso. Las actitudes de sus diversos personajes tienen un mayor peso, que las palabras que expresan. Es apenas, una oportunidad para asomarse a la riqueza de Tolstoi. Podría afirmarse, que es una cinta correcta, pero que carece de mayor carga emotiva, la puesta en escena de Hoffmman es un tanto distante, le hizo falta involucrarse más con sus personajes.

Lo que tiene a su favor, es un gran elenco, todos cumplen con el rol asignado. Además respeta las reglas de fidelidad, que deben regir a un biopic.

“La última estación” (“The last station”). Alemania, Rusia, Reino Unido, 2009.  Dirección y guión: Michael Hoffman. Guión, basado en novela homónima de Jay Parini. Fotografía: Sebastian Edcchimil. Música: Sergey Yutushenko. Intérpretes: Helen MIrren, Christopher Plummer, Paul Giamatti, James Mc Avoy. Duración: 114 minutos.

Por: Roberto Ortiz Escobar.

Poco se puede decir en favor de Chicogrande (México, 2010), la última película de Felipe Cazals que reitera su decadencia como cineasta y nos recuerda la cuantiosa cantidad (más de 35 millones de pesos) proporcionada por IMCINE a  una cinta mediocre que pareciera montarse en los festejos oficiales del centenario de la Revolución Mexicana. Ya veremos que resulta de la película de Jorge Fons acerca de un pretendido atentado a Porfirio Díaz.

Por lo pronto, pondero el magnífico esfuerzo de la Fundación Toscano que también con apoyo oficial realizó Viaje triunfal (2010), película de apenas 20 minutos que reúne imágenes de documentales de la  Revolución sobre el recorrido en tren realizado por Francisco I. Madero en 1911, de Ciudad Juárez a la ciudad de México. El recibimiento eufórico de la gente en diferentes puntos del país, nos remite al proyecto de instaurar un régimen democrático frente a un gobierno dictatorial. Con acompañamiento musical bien articulado, estas imágenes de hace casi cien años, se tornan conmoción nostálgica frente a una revolución cuyos altercados abrieron finalmente la brecha a setenta años de pobreza, injusticia e  intolerancia.

Regresando a Chicogrande, el guión original de Ricardo Garibay no pudo concretarse como cinta de Cazals durante el margarato del sexenio de José López Portillo. Años después dio lugar a una película de Mario Hernández (La sangre de un valiente / El hombre de hierro, 1993) que incluía algunas imágenes originales de Francisco Villa. Felipe Cazals conservó seguramente una vertiente del guión original y adaptó su propia historia conocida ahora como Chicogrande. Su empecinamiento como argumentista nos recuerda que es pésimo en este rubro y que más le valdría apoyarse en un especialista, si tiene intenciones de filmar en el futuro algo decoroso y no mamotretos costosos de franco aburrimiento.

Esta película es una muestra fehaciente de errores en la concepción de una historia y su tratamiento fílmico.  El tema central es el auxilio de Chicogrande (Damián Alcázar) a la escapatoria de Francisco Villa cuando era perseguido en 1916 por soldados del general Pershing, después que aquel atacara Columbus al increpar el reconocimiento de  Estados Unidos al régimen carrancista.

Si bien el argumento está definido, nunca termina de amarrar porque el director no otorga dimensión dramática a sus personajes principales al someterlos al esquematismo ramplón, el mismo que acompaña  a los personajes secundarios. Como en otras cintas de los últimos años (Su Alteza Serenísima, Digna: Hasta el último aliento), da la impresión que el director de viejos lauros (Canoa, El apando) pretende acudir a personajes históricos o de la vida real para reflexionar ahora sobre el destino de México y sus dificultosas relaciones con Estados Unidos, a cien años del movimiento revolucionario.

Eso se antoja interesante como proclama. El problema es la forma inocua como se maneja el lenguaje cinematográfico: continuos movimientos de cámara de pretensión vistosa cuando el corte de edición pudo solucionar al avance en la narración; exposición nauseabunda de cantinas de petatillo; insistencia visual en una garnachera inverosímil, traicionera y justiciera a la vez). Cual hermosa tarjeta postal del paisaje agreste montañoso mexicano arañando el western elegíaco de espacios abiertos en contraste con espacios herméticos, de manera lenta y desesperante se van mostrando situaciones a cual más endebles, forzadas y gratuitas. Todas ellas sin terminar de ubicar un drama personal o colectivo, a menos que la ridiculez envuelta de pretensión solemne sea  el motivo de la cinta.

Son varios los elementos que el cineasta opera en su dificultoso proceso de evocar la historia a manera de metáfora de un México alterado por la desprotección, el intervencionismo y la ausencia de líderes redentores. Tres muestras elocuentes menciono a continuación. Primero, una disonante comparación entre la entrega absoluta de Chicogrande a una causa y los afanes encabritados de un jovencito doblado al momento de la tortura; es decir, la madurez consciente fraguada a madrazos y la adolescencia ilusoria  sin trago amargo todavía. En segundo término, está el pasaje sobrado de Janice (Lisa Owen) como una estadounidense radicada en México y a quien Butch Fenton (Daniel Martínez) pretende proteger cuando ella podría enrollase con la bandera mexicana exponiendo más bravura que el chile xalapeño; secuencia insuficiente si consideramos que el personaje es abandonado y jamás se desarrolla, peor aún, ni siquiera se exponen los intereses que el país del norte pretendía resguardar con la Expedición Punitiva al considerar las vastas tierras del norte de México acaparadas por estadounidenses. En tercera instancia, un médico mexicano de buen discurso anti gringo pero arrugable cuando hay que atender a  un Villa herido; en buena mediada, este personaje se contrasta con el médico gringo (Juan Manuel Bernal), quien escribe cartas a su familia de la realidad confusa que está viviendo y de la que adopta finalmente el compromiso forzado de curar a Villa. En último término están las voces del pueblo (desde la mujer bien posicionada hasta el desposeído) comentando cual coro plañidero la presencia del ejército estadounidense en nuestro país.

Las anteriores situaciones están expuestas con una pobreza digna de un amateur sin experiencia, son raquíticas e insuficientes,  lo peor de todo, conservan un tufillo demagógico. En su intento de abarcar un todo de manera crítica y simbólica, Cazals eligió la levedad que otorga la superficialidad. Más aún, sus personajes no son articulados convincentemente porque no están concebidos como de carne y hueso. De ahí el desequilibrio de un solvente reparto actoral desperdiciado al menor pretexto cuando dicen diálogos no propiamente humanos, sino de discurso oficialista priista interpretando a la historia mexicana,  a sus líderes y a sus luchadores anónimos frente al peligro extranjero. Daniel Martínez como el intervencionista militar dice bien sus parlamentos en inglés pero nunca abandona su cara de malo-malo. Damián Alcázar empieza correctamente y termina como héroe patético de risa loca, montando a caballo con todo y bala en el cuerpo y sangre terminal vomitada.

En el caso de los errores de guión, sólo menciono dos perlas: el doctor gringo no sólo escribe una sino hasta dos cartas para subrayar su azote emocional frente a una realidad mexicana que no termina de entender,  pero ante la cual toma una actitud digna, como la sugerida por Janice. Él mismo sale a las calles del pueblo y no sólo es rechazado por tres señoras con rebozo, sino también por varios niños jugando en cuclillas. Para Cazals es necesario insistir hasta el cansancio situaciones que entendería un párvulo con una sola escena.

En Chicogrande se nos quiere exponer un México convulso donde existían ideales que perseguir. El Cazals de viejos fueros se nos muestra como la pálida sombra que actualmente es, o más bien, nos confirma al cineasta no siempre convincente en sus alegatos de justicia en pasajes de la historia o sucesos de la vida real. Seguramente una de las peores cintas mexicanas de los últimos tiempos. Con sólo ver los primeros planos de fotografía embellecida, a los amantes del western crepuscular les podría salir el tiro por la culata.

*Artículo publicado el 7 de junio de 2010 en el periódico Política de Xalapa, Ver.

Por: Roberto Ortiz Escobar.

Un buen guión del cine mexicano reciente es el de Norteado, el cual se tradujo en decorosa puesta en imágenes por el director Rigoberto Pérezcano. Con varios premios nacionales e internacionales en su haber, esta cinta podría ubicarse como una comedia romántica de discreto humor y deleitable frescura, apartada de la ramplonería y creatividad enana de la mayoría de las películas nacionales que se inscriben en este género y que pululan sin ton ni son.

Aunque ésta es una cinta sobre la emigración a Estados Unidos, su aproximación entrañó un enfoque distinto y novedoso. La aventura del paso fronterizo detectada al principio, no repasa este drama tremebundo a que nos acostumbraron buena parte de las películas sobre el tema.

¿Qué vínculos podemos encontrar entre esta ficción y el encomiable documental Los que se quedan (México, 2008, de Juan Carlos Rulfo y Carlos Hagerman)? Si bien los cometidos son diferentes, ambas producciones dan cuenta de la gente que se queda en México y no emigra a Estados Unidos, pero cuyas parejas sentimentales o familiares cruzaron la frontera para buscar mejor remuneración económica.

Si bien en Norteado el oaxaqueño Andrés (Harold Torres) intenta en más de una ocasión cruzar el Río Bravo, la mayor parte de sus acciones no se emparentan con el periplo de la migración al otro lado, sino con su estadía en una ciudad fronteriza mexicana al lado de dos mujeres y un hombre maduro. Ya llegará el momento en que se programe un cruce venturoso, no comparable con el destino de un cuarto de millón de mexicanos repatriados anualmente por las autoridades  migratorias estadounidenses.

Al igual que Los que se quedan, la película de Pérezcano se centra en narrarnos la vida de las personas que habitan en México pero con algún amor o familiar en Estados Unidos. Tanto doña Ela (Alicia Laguna), como la jovencita Cata (Sonia Couoh) ubican a sus hombres al otro lado sin saber de su paradero. La señora madura se resignó de no volverlo a ver, mientras que la adolescente Cata piensa ilusoriamente que su príncipe azul regresará algún día del otro lado para refrendar su amor juvenil.

Al ver frustrado su proyecto de pasar la frontera, Andrés es contratado por doña Ela, propietaria de una tienda de abarrotes de barrio, quien inmediatamente le echa el ojo ya que el joven podría brindarle las caricias eróticas no recibidas  desde hace tiempo. Ya instalado en la casa de la patrona, el oaxaqueño provocará la mirada tentadora de la sirvienta Cata, quien demostrará celos reticentes hacia Andrés al atender afanosamente al señor  Asencio (Luis Cárdenas), un amigo de Ela que no pierde la esperanza de conquistar algún día a una de las mujeres. Al trastocar Andrés un equilibrio sin proponérselo, Asencio maniobra a su favor proponiéndole a aquel una ruta venturosa de travesía  fronteriza con tal de quitarlo del camino.

Con una estupenda articulación actoral donde los cuatro personajes principales lucen en todo momento, Norteado es una cinta donde los silencios, las  miradas y situaciones exentas de diálogos, predominan en tanto humor lacónico que sólo en ciertos momentos apuesta por la risa refrescante. La contención observada en toda la narración, excluye el recurso fácil y el enfoque simplista. Película que nos remite a situaciones sencillas que nunca llegan  a una cuesta dramática hacia arriba. Y no hace falta, el medio tono le queda bien a una historia con cuatro personajes que nos transmiten la necesidad de afecto y amor por el  quebranto afectivo ante la ausencia, tal como sucede con las dos mujeres. En el caso de Andrés, su relación espontánea con Ela y Cata nos remite, por ausencia, a los afectos interrumpidos de la mujer que dejó en un pueblo oaxaqueño. Con Asencio detectamos al hombre maduro que entiende las necesidades de dos mujeres solitarias, a quienes procurará amistad y vínculo sentimental.

De ahí el parentesco que observo entre Los que se quedan y Norteado.  Las dos películas no abordan las ausencias físicas de los que se fueron, sino las rutas de acción o de continuidad existencial de los que se quedaron en México. Ciertamente la primera detalla en pormenores la realidad actual vivida en México, pero las dos obras abordan las dificultades y cómo sortearlas frente al hecho consumado de la partida temporal o permanente.

Con una delicadeza y sutileza que evita la acentuación de la gravedad de los hechos, Norteado pone en cuestión la interrupción sentimental y la desolación generadas por ausencias que alteran en definitiva los abrevaderos de un pasado inmediato suspendido. Lo que se agradece aquí es la sugerencia de problemáticas existenciales que en ningún momento se plantean como drama o tragedia, producto de la separación. Tanto en una como en otra cinta, la huella de la partida cala hondo emocionalmente, pero hay una suerte de aceptación nostálgica no identificada con la resignación derrotista.

Un amigo me comentó que la buena historia original de Edgar San Juan vuelta guión definitivo por éste y el cineasta Pérezcano, se hubiera convertido en el  guión perfecto si el personaje de Andrés incursionara íntimamente con una de las mujeres y no con las dos. De esta manera, la historia filmada habría planteado la mirada  distanciada de una de las mujeres con respecto a su realidad presente y los anhelos de afecto erótico. Lo que quedó en definitiva no me molesta, pero me quedé pensando sobre una historia de alcances tal vez mayores.

Donde tampoco tuvo gran alcance este filme fue en la entrega de los arieles, ya que tan sólo la galardonaron por mejor edición. La escasez de premios la convirtieron en la gran perdedora del año.

*Artículo publicado el 24 de mayo de 2010 en el periódico Política de Xalapa, Ver.

Por: Roberto Ortiz Escobar

¿Qué es lo que una persona exige el fin de semana al visitar el cine acompañado de la familia? En principio, experimentar hora y media de diversión que le permita desprenderse de la rutina agobiante asumida todos los días en el trabajo, el estudio o las labores del hogar. Si su suerte fuera otra y viviera en la vagancia, pensaría dos veces el proyecto de las imágenes en movimiento en pantalla grande. Un despreocupado de las ingratitudes de un modelo materialista utilitario, barajaría otras opciones en el manejo de su tiempo libre, además del escapismo fílmico.

Producto típico del cine de género labrado con tanto éxito por una industria fílmica extendida en todo el mundo, Robin Hood (Robin Hood, Estados Unidos, 2010, de Ridley Scott) cumple con creces el cometido de la diversión pasajera, aunque ésta sea de 140 minutos. Lo hace considerando argumentalmente una utopía en plena Edad Media que liberaría al pueblo del trabajo esclavo y los  tributos excesivos.

Cineasta responsable de algunos clásicos (Los duelistas, Alien-octavo pasajero, Blade Runner, Leyenda, Gladiador), Ridley Scott sale bien librado en esta ocasión porque ofrece no sólo un producto bien elaborado como exigencia de producción millonaria, sino que articula un guión sustancioso, imprime humor socarrón y da cuenta de buena química actoral.

Robin Hood nos separa de las versiones anteriores (exceptuando la nostálgica Robin y Marian, 1976), centradas en las aventuras del héroe proscrito que roba a los ricos para repartir a los pobres en una Edad Media de guerras agobiantes (Las Cruzadas), pugnas monárquicas y pobreza social. Todo esto y muchas anécdotas más se disfrutan en esta coproducción de Estados Unidos con Gran Bretaña. Pero curiosamente la película termina en lo que ha sido la parte medular de las otras versiones, es decir, las aventuras de un Robin forajido que encuentra en el bosque su refugio ideal, promoviendo un modelo social al margen de las estructuras establecidas. Se diría que la historia se remite a los orígenes de la leyenda.

Con guión de Brian Helgeland, basado en una historia de él mismo, Ethan Reiff y  Cyrus Voris, éste abona una serie de anécdotas que mantienen la atención del público: los servicios de Robin Longstride (Russell Crowe) como arquero al ejército de Ricardo Corazón de León, el descubrimiento de la corona del rey muerto en batalla, la entrega  de una espada a Walter Loxley (Max von Sydow), la suplantación del esposo de Marion (Cate Blanchett), el enfrentamiento a las intrigas de Godfrey (Mark Strong), la imposición lacerante de impuestos, la reunificación de la monarquía inglesa, los ajustes en una sociedad a punto de la guerra civil por las veleidades del rey Juan (Oscar Issac), y la sugerencia de un Robin en el bosque.

Dejando de lado las delicias de Errol Flynn o el ímpetu físico de Douglas Fairbanks, este Robin Hood supera el arrebato exhibicionista de Kevin Costner. Se nos brinda ahora un personaje más de carne y hueso, romántico, con pendientes con el pasado familiar, solidario, impulsor de un proyecto agrícola de beneficio colectivo, pero sobre todo, entusiasta defensor de la modificación en las relaciones de explotación medieval que promueva, con todo y monarquía como sistema de gobierno, la libertad y un mayor equilibrio en el reparto de la riqueza.

Superproducción sin pizca de aburrimiento por sus resueltas escenas de acción (el asalto a un castillo por Ricardo Corazón de León, la emboscada en el bosque, la batalla en el mar), los pasajes de heroísmo ferviente, la calidez hogareña campestre con Marion, el reencuentro paterno (la relación de Robin con Sir Walter Loxley), y la recuperación de la dignidad social frente a una monarquía abusiva. No cabe duda, el Ridley Scott talentoso de Alien el octavo pasajero y Blade Runner, sigue labrando productos industriales robustos con los atributos del artesano eficaz. De ahí la excelencia en los créditos finales que el público no debe perderse.

*Artículo publicado el martes 18-05-10 en el periódico Política de Xalapa, Ver.

A Fernán González Hernández  y  Segundo Muñoz Amorín.

Por: Roberto Ortiz Escobar.

Ganador el año pasado del Oscar al mejor largometraje documental, Man on Wire: La hazaña del Siglo (Man on Wire, Gran Bretaña 2008, de James Marsh) estructura convenientemente su narración acerca de una aventura que pone por delante el riesgo mortal. Sin embargo, una vez superada la fatalidad en la que más que adrenalina destilada existe un control absoluto del miedo, cuaja una proeza de relevancia plástica articulada por el “poeta de la cuerda floja” (The New Yorker).

Se trata del alambrista Philippe Petit, quien después de sus aventuras en Sydney y Paris, se decidió a caminar sobre una cuerda suspendida entre las azoteas de las torres del World Trade Center de Nueva York,  colapsadas en 2001 por un atentado terrorista.

Son varios los ingredientes regados con cierto aliento humorístico de identificación inmediata para el espectador: la entrevista a Petit y los amigos que se comprometieron en proyectos riesgosos de nula autorización legal, los materiales de acervo fílmico y fotográfico, y la representación de algunos de los sucesos relevantes. Uno de ellos es el que arranca la película remitiéndonos a la introducción a las torres gemelas como si se tratara de los preparativos de un asalto o atentado de clara provocación a la seguridad nacional estadounidense. A manera de truculento thriller policíaco, esta parte nos mete de inmediato a un asunto cuyo manejo clandestino encuentra una filiación narrativa sabrosa e inteligente.

Mientras las partes actuadas son en blanco y negro, las entrevistas a cuadro se manejan en color. De forma paralela, se aborda el proyecto de las torres gemelas con imágenes del pasado de Petit (infancia, adolescencia, la experiencia en Sydney y Paris), y por momentos, la acción se estaciona en los pasajes representados, como por ejemplo,  el escondite en una de las torres gemelas debajo de una lona cubriendo material de construcción para evitar el descubrimiento de Petit y sus compañeros por los guardias de seguridad del edificio.

Si nos atenemos a lo dicho por Petit, siendo adolescente y sentado en un consultorio para una revisión médica, quedó pasmado al ver en una revista o periódico el plan arquitectónico de construcción de las torres del World Trade Center. No sabía exactamente en esos momentos a qué le llevaría esa realidad futura más cercana a la ciencia ficción que a la realidad citadina, pero desde entonces nació una obsesión que a través de los años abrazó y se tradujo en despliegue artístico como  alambrista. Una vez alcanzado el rigor de la preparación física y mental, y con la ayuda de amigos congeniando en la misma locura,  preparó los golpes de efecto en lugares de relevancia turística, religiosa y comercial: la moderna ciudad de Sydney, las dos torres de la catedral gótica de Notre Dame y los dos edificios emblemáticos del capitalismo estadounidense del último tercio del siglo pasado, ubicado en el ombligo neoyorkino.

Es cierto que estamos frente a un documental cuya finalidad es proporcionar una información determinada. Pero la forma como el director coloca y condimenta las piezas, nos relaciona más bien con  un relato de corte fantástico donde el asombro aparece en cualquier momento por la temeridad del acto y la crispación que provoca el ingenio de dominar el vértigo a  110 pisos de altura, es decir, 450 metros que hubieran provocado la caída fatal del inspector de policía John Scottie Ferguson-James Stewart al perseguir a un  delincuente por las azoteas de elevados edificios en San Francisco, California (De entre los muertos, 1958, de Alfred Hitchcock).  La gracia y el espíritu lúdico desplegado por Petit joven se conectan con la narración briosa y apasionada treinta años después, en la que el mismo personaje ve en retrospectiva una hazaña “donde la vida debe ser vivida al borde de la vida”. El donaire y frescura de Petit desarrollados en su proeza se patentiza en su caminata de 45 minutos sobre una cuerda, haciendo caso omiso de los policías que lo esperaban al borde de los edificios, y más aún, provocándolos socarronamente al acercárseles y darse la vuelta para seguir danzando frente a un vacío descomunal y nauseabundo. Una vez tomadas las riendas y el control absoluto de su acto semejante a una demostración circense, Petit cumplía su desafío y podía decir sin empacho: “Si muero, que hermosa muerte, ejercitando tu pasión”.

Pero si bien el elemento lúdico contagia constantemente al documental, éste se tiñe de nostalgia en la parte final por los recuerdos tristes de la pérdida de la amistad (con un colega) y del amor (su pareja sentimental que lo acompañó en sus aventuras). Esto es platicado por los otros y no por el alambrista. Sin dilucidar del todo este aspecto que se queda en el misterio, se sugiere el distanciamiento de Petit y la fractura irremediable. En un pasaje la novia platica que Petit no le preguntó que debía de estar con él porque sabía que tenía que estar a su lado y punto. Más adelante y una vez terminado el acto de las torres gemelas, Petit tuvo una relación meteórica con una fan como culminación orgásmica demandante.

Tomando como punto de partida el libro de Petit Alcanzando a las nubes, este documental es cubierto con efectividad por una  banda musical de Michael Nyman quien en los momentos tensos nos repite una de sus composiciones, agrega música de Edward Grieg, la Quinta de Beethoven interpretada por Walter Murphy, y dos delicadas piezas a piano de Erik Satie.

El 7 de agosto de 1974 quedará consignado como el día irrepetible en que un hombre con suficiente seguridad mental y soporte físico se amparó con el paraguas de la locura infantil, asombrando al mundo con una proeza que sólo los grandes rematan  arriesgando la vida misma.

*Artículo publicado el lunes 10 de mayo de 2010 en el periódico Política de Xalapa, Ver.

Por: Roberto Ortiz Escobar

De nueva cuenta una película de reciente producción hollywoodense ubica su acción en la guerra de Estados Unidos contra Irak. La industria del país de las barras y las estrellas acostumbra abordar sus conflictos bélicos con diferentes enfoques. Sus pasajes históricos pueden darse en la Secesión, la Independencia, la Segunda Guerra Mundial, Corea o Vietnam. Cada película tiene su propia lectura que justifica el intervencionismo imperialista o mantiene una postura liberal con cierta dosis crítica.

Recientemente, la ganadora de varios oscares Zona de miedo (The Hurt Locker, Estados Unidos, 2009, de Kathryn Bigelow), trasladaba su argumento a Irak donde veíamos los operativos de un escuadrón estadounidense de élite desactivando las bombas regadas en Bagdad por la insurgencia. Si bien el registro se acercaba a la narrativa documental y en varios momentos encontrábamos el rechazo del pueblo iraki al intervencionismo estadounidense, era evidente que Bigelow partía de un contexto bélico real como pretexto, ya que quería compartirnos la experiencia tremebunda que significa la participación en cualquier guerra, partiendo específicamente del sargento William James (Jeremy Rener), cuya conducta vomitaba adrenalina, transgredía la línea delgada de la razón y daba rienda suelta al frenesí individual por encima de cualquier ideología y bandera patriótica. Al igual que Apocalipsis ahora (1979, de Francis Ford Coppola), Zona de miedo nos metía de lleno en la locura del comportamiento humano en un evento bélico. De ahí a que la cinta pudiera verse como un panegírico estadounidense o crítica acerba hay una enorme distancia. Esto tampoco significaba que se trataba de un panfleto reaccionario.

El enfoque liberal lo encontramos ahora en La ciudad de las tormentas (Green Zone, Estados Unidos-GranBretaña-Francia-España, 2010), de Paul Greengrass, especialista en docudramas con narraciones de enorme tensión emocional (Domingo sangriento, 2002; La supremacía Bourne, 2004; Vuelo 93, 2006, Bourne el ultimátum, 2007).

Las cintas dedicadas al personaje de Bourne interpretado eficazmente por Mat Damon, articulan emocionantes persecuciones paranoicas,   inscritas en el mejor cine de espionaje de ficción. En cambio, la vinculación a sucesos reales o de aproximación histórica, son muestras de aliento crítico en situaciones excepcionales: los últimos minutos de la tripulación de uno de los aviones que chocaron en las torres gemelas neoyorkinas en septiembre de 2001 (Vuelo 93) o la masacre de irlandeses en una marcha pacífica por parte de la tropa inglesa en 1972 (Domingo sangriento).

En el último rubro se inscribe La ciudad de las tormentas, con guión de Brian Helgeland, basado en el libro de Rajid Chandrasekaran. La ficción visual parte de elementos de la realidad histórica con datos interesantes sobre la intervención de la coalición multinacional en Irak, con la cual Estados Unidos justificó la guerra por las supuestas armas de destrucción masiva fabricadas en el gobierno de Sadam Husein. Con algunos tintes de discusión acalorada, se plantea la inutilidad de los rastreos y búsqueda de dichas armas letales por parte de las unidades militares, en este caso, del oficial Roy Miller (Matt Damon), quien en su labor incesante encuentra sólo bodegas y fábricas de escusados desolados pero nunca las tan anunciadas armas. También se pone de relieve los enfrentamientos de la CIA con el ejército sobre el tema primordial de la intervención.

Estos elementos del guión cuestionan la posición moral de una guerra donde varios países como Estados Unidos, Gran Bretaña, España, Dinamarca, Australia y Polonia, etc., ampararon una intervención que ha generado desde marzo de 2003  miles de muertes civiles, la agudización de los conflictos entre los diferentes grupos étnicos y una guerra civil que no tiene para cuando acabar.

Bien por la exposición de una realidad vergonzosa que expone de nueva cuenta los propósitos de las guerras imperiales, vinculados ahora con los recursos petroleros y enmascarados por una reformulación democrática que sustituiría el totalitarismo de Husein. Bien por las magníficas dosis de acción donde una nerviosísima cámara en mano se une al cuerpo de los rastreadores de las armas de destrucción masiva,  así como a las pantallas de los centros de inteligencia y los helicópteros en esa formidable persecución al general Al Rawi en los barrios de Bagdad.

Lo que ya no resulta del todo bien es la apología muy hollywoodense en la que un solo individuo (Roy Miller) será el termómetro, motor e inteligencia que revele la  información extraordinaria sobre la mentira de las armas de destrucción masiva, avalada también por ciertos  medios de comunicación que justificaron la  guerra sin profundizar con fuentes de información confiable.

Si bien la película nos mantiene atado a la butaca por las escenas de acción trepidante apoyadas con una edición briosa y una música contundente, algunos pasajes argumentales no alcanzan credibilidad: el informante iraki y su periplo final  y la reunión del general Al Rawi con Miller.

Sin duda estamos ante una película de intención crítica a la que se agradece sus anotaciones de un proyecto cruento injustificable. Sin duda actualmente Greengrass es uno de los mejores cineastas de acción porque sabe articular muy bien sus thrillers, sean bélicos, de espionaje o de drama colectivo. Con un costo de 100 millones de dólares, el director filmó en España, Marruecos e Inglaterra en su intento de retratar Bagdad en 2003.

Con respecto al título de La ciudad de las tormentas impuesto en las salas comerciales de México, nada que ver con el original de Green Zone que nos remite efectivamente al nombre de un área en Bagdad, específicamente al Palacio de la República convertido en lugar de operación militar. Conformada por una superficie de cinco kilómetros vinculada al río Tigris, cubierta de jardines, oficinas del gobierno y residencias de funcionarios en la época de Husein, fue calificada como verde por los estadounidenses al ubicar ahí a sus efectivos militares y civiles mientras se aplacaba a la resistencia iraki. Como suele suceder en nuestro país,  los títulos originales se nos escamotean a cada momento.

*Este artículo se publicó el 26 de abril de 2010 en el periódico Política de Xalapa, Ver.